TAE informa

número 46 - marzo/abril 2005 - Revista mensual del Taller de Artes Escénicas - Valencia

ESTE MES EN EL TAE informa...

Estreno de Numen Teatre

Hemos esperado con muchas ganas, pero finalmente el próximo sábado 16 de abril, en el Teatro Ideal de Castelló de la Ribera (Villanueva de Castellón) será el estreno de “Deesses per nassos” de Antoni Torreño.

El mito:
Deméter, diosa de la agricultura, vive en la isla de Sicília con su única hija Persèfone pero ésta sale un día a coger flores y desaparece. Deméter la busca sin descansso hasta que se entera que la tiene secvuestrada su hermano Hades, señor de los infiernos, que pretende quedarse con ella.

Deméter la reclama a Zeus sin obtener respuesta. Entonces la diosa lanza una amenaza y la cumple: si su hija no vuelve, en la Tierra no crecerá ninguna planta y los humanos morirán de hambre. Finalmente llegan a un acuerdo. Hades devolverá a Perséfone, pero como la joven diosa ha comido la fruta del infierno, tendrá que volver cada año a su lado durante los tres meses de invierno.

Sinopsi:
Pero un dia de otoño en que Perséfone ha de abandonar a su madre para volver con Hades, las diosas deciden revelarse y se esconden entre humanos. Hades y hombres de todas las épocas (ignorantes, ridículos, crueles, infantiles y caprichosos) persiguen a las diosas a través del tiempo. I huyendo de aquí y allá, Deméter y Perséfone nos acompañarán en un paseo por la história y el mundo: una playa griega, una casa de Pomeia, un bosque europeoen la época feudal, un templo maya, Roma saqueada, Breda rendida, Xâtiva quemada en la época de Felipe V, y finalmente, unas rápidas instantáneas de la história contemporánea hasta nuestros días.

En el reparto: Dafni Valor, Sandra Merenciano y Javier Velasco.

Mucha suerte a todo el equipo y desearles muchos, muchísmimos bolos.

Cursos de verano en el Taller de Artes Escénicas

Esta es la oferta de cursos que propone el Taller de Artes Escénicas para el verano 2005. Para más información: tallerartesescenicas@hotmail.com

Curso intensivo de interpretación: “El actor y la escenografía”

(del 4 al 15 de julio)

La contemplación de cualquier proyecto escenográfico nos proporciona la visión exacta y real del medio escénico en que la acción teatral va a desarrollarse: una construcción que servirá al Juego del actor. Basándonos en esto, los alumnos del curso crearán un personaje y estudiarán diversas formas escenográficas que potencien la evolución y crecimiento del mismo. Gran parte del curso se desarrollará junto a los alumnos del curso de escenografía que ayudarán al actor a estudiar las diferentes posibilidades escénicas

Impartido por Dafni Valor Visvikis. Directora del Taller de Artes Escénicas. Licenciada en Arte Dramático, especializada en interpretación además de directora y pedagoga teatral. Desde el 94 dirige talleres de formación tanto en el Taller como en otras escuelas de teatro o entidades culturales.

Curso intensivo de Danza Contemporánea

(del 4 al 15 de julio)

Dirigido a actores y bailarines. Búsqueda de un lenguaje propio utilizando como herramienta técnicas de danza con el objetivo de creación de una pieza de danza a través de un texto. La clase constara de dos partes, una técnica -calentamiento físico en el que se trabajara la relación con el suelo, alineación corporal, relación espacio, escucha interior, etc-, y una de creación, aplicando el trabajo anterior y la improvisación.

Impartido por José Giménez Asensi titulado en Danza Clásica por el Conservatorio de Valencia, amplía estudios en distintas escuelas y profesores entre los que destacan Santiago Sempere, Sara Sugihara y Gerald Colllins. Como bailarín y desde el año 1992 pertenece a la Cía. Ananda Dansa. Compagina estas actividades con la enseñanza de danza contemporánea.

Taller intensivo de escenografía

(del 4 al 15 de julio)

Esta curso tiene por objeto definir el proceso de diseño teatral escenográfico en un primer acercamiento al mismo.

Enfoca el proceso de diseño de escenografía sobre la base del análisis de la obra y su interpretación, así como del espacio disponible para la representación y la forma de expresión, utilizando las posibilidades de representación del espacio teatral.

Pretende proyectar la capacidad creadora del alumno, en la realización objetiva de trabajos de creación integral (escenografía, vestuario, iluminación), para llegar al desarrollo total de sus capacidades expresivas.

Imparte el curso: Toni Belloch. Licenciado en Bellas Artes. Dedicado profesionalmente al diseño gráfico y del espacio.

Taller de Teatro Infantil

(del 4 al 15 de julio de 2005)

El Taller de Teatro Infantil es un espacio dirigido a niños y niñas en el que pormedio del juego dramático se introducirán en el mundo de la interpretación desarrollando su imaginación y capacidad creadora.

Entrenar la espontaneidad, desarrollar la creatividad y la expresión dramática, corporal y grupal a través del movimiento, ritmo, sonido, voz, improvisación...

Impartido por Sandra Merenciano, actriz y animadora Socio Juvenil. Ha estudiado teatro en la Sala L’Horta y en el Taller de Artes Escénicas de Valencia en el que ahora es profesora del grupo infantil.

Cinc anys sense Enric Valor

El pasado 25 de enero se celebraba en el Taller de Artes Escénicas un homenaje al escritor de Castalla, Enric Valor, fallecido ahora hace cinco años.

El acto comenzaba con una dramatización por los alumnos del Tae de la rondalla “El Domoni fumador”, seguidamente Josep Valor (escritor y sobrino del escritor) realizaba una distraída charla sobre sus vivencias y experiencias junto al escritor. Después una emocionante lectura de textos de sus novelas “L’Ambició d’Aleix” y “Enllà de l’Horitzó” por Numen Teatre, en las que pudimos comprobar la poética de sus escritos y el amor por su lengua. Finalizaba con la puesta en escena de “I queixalets també” una historia de miedo que nos sobrecogía a más de uno.

Hicieron posible el acto. Joseph Valor, Dafni Valor, Sandra Merenciano, Carol Hernández, Pablo Jovaní, Pilar Estellés, Patrícia Gracia, Javier Velasco, Guillem Bellido, Cristina Koren, Jan Van Oosten, María Polo, Lluís Juan, Marta Guzmán, Carolina García, Eva González, Laura Fuentes, Belén Huertas y Lorena Penalva, más todo un entregado público que los acompañó.

Enric Valor i Vives (Castalla, l'Alcoià, 1911 - Valencia, 2000). Gramático, lexicólogo, rondallista y novelista. Recopiló treinta y seis fábulas de la tradición oral valenciana y las transformó en literatura escrita. En narrativa hay que destacar el "Cicle de Cassana", integrado por la trilogía “Sense la terra promesa”, “Temps de batuda” y “Enllà de l’horitzó”. Fue galardonado, entre otros, con el “Premi de les Lletres Valencianes” (1985), “Premi d´Honor de les Lletres Catalanes” (1987) y la Creu de Sant Jordi (1993). Fue investido Doctor Honoris causa por las Universidades de Valencia, de las Islas Baleares, de Castelló y de Alicante. Vicepresidente por el País Valenciano y Socio de Honor de la Asociación de Escritores en Lengua Catalana.

Enric Valor dedicó toda su vida a nuestra cultura. Amó nuestra lengua, nuestros paisajes y nuestra historia. Este acto era el homenaje a un hombre que llenó nuestras vidas, en estos tiempos que corren, con un poco de ilusión y esperanza.

“Mirà el cel, tènuament emboirat, blanc i blau; contemplà els penyalars melangiosos, i oí un xiscle de gralla, llunyà, que venia de la trista profunditat de l’espai. Es tornà a sentir alleugerit. L’antic i el nou: tot podia viure en ell.”

Enric Valor. De “L’Ambició d’Aleix”

Llega a Madrid “El graduado”, al Teatro Coliseum

El graduadoUn joven recién graduado, una atractiva mujer madura y su hija, he ahí el triángulo que conforma “El graduado”, un reciente estreno teatral en Madrid que a muchos recordará la película de Mike Nichols.

En este caso la producción cuenta con un reparto de lujo encabezado por Ángela Molina, que encarna a la Sra. Robinson una mujer madura, atractiva y seductora; Juan Díaz, que interpreta a Benjamín, el joven que ayudará a la Sra. Robinson con su cremallera, y Olivia Molina, hija en la ficción y en la realidad de Ángela Molina, que es Elaine la muchacha que cierra este triángulo.

"El graduado" es una comedia basada en la novela de Charles Webb, publicada en 1963. El texto fue llevado al cine por el director Mike Nichols en 1967 con Anne Bancroft como la Sra. Robinson y un joven Dustin Hoffman como Ben, papel que lo lanzó al estrellato.
La adaptación teatral de "El graduado", de Terry Johnson, se estrenó en 2000 en Londres y estuvo en cartel tres años. Desde entonces no para de triunfar en los mejores escenarios del mundo, desde Australia hasta Finlandia, pasando por Broadway. Con una banda sonora que recoge las mejores canciones de los 60 y con una historia inolvidable.

En la actualidad puede verse en Madrid, en el Teatro Coliseum (Gran Vía, 78), donde estará solamente quince semanas a partir del 24 de febrero.

Salvador Enríquez

“Rondó para dos hombres y dos mujeres”, de Ignacio Amestoy, en el teatro Gran Vía.

Rondó para dos mujeres y dos hombresAunque el estreno oficial será el día 30 de marzo, desde el 22 hay funciones previas de la obra “Rondó para dos mujeres y dos hombres”, de Ignacio Amestoy, en la Sala 2 del Teatro Gran Vía (Gran Vía, 66 – Madrid). La Gran Vía madrileña, convertida desde hace años en un mini Broadway por el gran número de espectáculos musicales de factura USA que se exhiben en sus teatros, se incorpora con esta sala al teatro de texto. Se trata de un cómodo espacio con 306 localidades ubicado en los bajos de la sala principal del teatro del mismo nombre (900 localidades) que sus empresarios desean dedicar, según dijeron, a producciones de autores españoles vivos; al teatro que se escribe aquí y ahora y al que tan escasa atención se le presta no sólo por la entidades privadas sino por las públicas.
De este modo, la Sala 2 o Pequeño Teatro Gran Vía ha comenzado su andadura con esta obra de Ignacio Amestoy que, con dirección de Francisco Vidal, interpretan Rosa Mariscal, Diego Martín, Chusa Barbero y Roberto Ibáñez.

En una escenografía más sugerida que realista, tenemos este “Rondó” que trata, en clave de comedia, -explica el director Francisco Vidal- porque no le veo otro camino para el tema, de los nuevos roles del hombre y de la mujer. El hombre asiste con asombro y con mucho miedo al avance de la mujer. Al desarrollo de una actitud, que nosotros tomamos como de una gran agresividad. Podemos asumir malamente que intenten equipararse en el trabajo. Mucho menos que sean capaces de sustituirnos. Pero, además, que tomen la iniciativa en el sexo, es algo impensable e inaceptable. Pero cada vez más es así. Y se produce por parte de ellas casi, casi sin darse cuenta, de una manera fluida.

Somos “nada machistas” en lo cerebral pero no en lo emocional, observó el director Francisco Vidal, pero tan pronto se nos rasca un poco salta la tribu.

Salvador Enríquez

Lindsay Kemp: “Siempre he querido interpretar a Elizabeth I”

Ha sido Nijinski, Isadora Duncan y Salomé, pero tiene tanto de ellos como de Peter Pan. Lindsay Kemp trajo el reino de Nunca Jamás a los escenarios con su mítica Flowers a finales de los años sesenta, y desde entonces no ha abandonado sus coreografías coloristas de gran belleza visual donde la palabra cede ante la danza, la música y la imagen. El coreógrafo, bailarín, mimo y director regresa a la interpretación con Elizabeth I. El último baile, que se estrena el 1 de abril en el Palacio de Festivales de Cantabria. Muerte y vida se mezclan en esta obra onírica donde Kemp interpreta a la reina virgen en las últimas horas de su vida.

De pequeño transformaba su paraguas en un miriñaque y contaba historias para escapar de la grisura de su Liverpool natal. Así se fraguó el creador que tantos estereotipos ha roto a lo largo de su carrera. Flowers, Nijinski, Alice o Salomé son algunas de sus coreografías más representativas, a las que se le suma la dirección de óperas como La flauta mágica, Iris, La Traviata y Madame Butterfly –ésta última estrenada también en el Palacio de Festivales de Cantabria, que coproduce El último baile junto con otros cuatro teatros españoles–. Después de tres años sin interpretar, Kemp (1938) vive con excitación las horas previas a su regreso a la escena.

–El personaje de Elizabeth I ya le subyugó a los cinco años cuando vio en el cine Las vidas privadas de Isabel y Essex. ¿Por qué se ha hecho esperar tanto este montaje en su carrera?
–Todas mis obras se nutren de mi experiencia vital, pero el caso de la reina Elizabeth I es, quizás, el más contundente pues siempre ha sido una obsesión para mí. Toda mi vida he estado fascinado por su persona y por todo lo que ella representa: el glamour, la efervescencia cultural –representado especialmente en el teatro de Shakespeare– y el amor apasionado. Todas esas facetas ligadas a su persona me interesan mucho.
–¿Es éste el papel de su vida, más que su Divine de Flowers?
–Digamos que es el papel que lleva toda la vida esperándome. Y ahora soy lo suficientemente viejo como para interpretar a la reina Elizabeth I en esta etapa de su existencia. Siempre me ha fascinado su figura, desde su capacidad de liderazgo hasta su apasionada vida amorosa.
–¿Qué rasgos comparte con la llamada reina virgen?
–La pasión por la vida, el amor por la belleza, la tolerancia, la búsqueda de la inspiración... todo eso que conduce a la felicidad. Ella era muy apasionada, y creo que eso va a ser perfectamente comprendido por el público español, que también lo es.

LA REINA SE MUERE
–¿Cuál es el retrato que hace de la reina en la obra?
–El de una gran líder que agoniza, que vive sus últimas horas sumida en los recuerdos de lo que fue su vida. Es el viaje a la mente de una mujer en el filo de la muerte que pasa revista a una existencia en la que están presentes el amor, la angustia, las dudas, el miedo y la tragedia –algo que vivió con la ejecución de su prima María Estuardo y de su amante el Conde de Essex–. Esta obra tiene un estilo muy surrealista y onírico, puesto que esos sentimientos se confunden en su memoria. Su vida es a la vez una danza dolorosa y apasionada. Ella baila porque presiente que la muerte esta próxima.
–Si Flowers fue el montaje revelación de su juventud ¿es este Último baile su obra de madurez?
–Esta obra es el resumen de toda mi vida, especialmente del ahora, porque no me gusta perder el tiempo pensando en el ayer ni en el mañana. Retrata cómo me siento ahora y cómo enfoco mi arte ahora.
-¿Es éste también el último baile de Lindsay Kemp?
–No. Habrá muchos bailes después de éste, se lo puedo asegurar, aunque sigo los consejos de mi madre y bailo con la misma energía como si fuera el último, por si acaso.
–La muerte es una constante en su obra, presente en personajes como Salomé, Nijinski, Isadora Duncan, en óperas como Madame Butterfly... ¿Cómo la aborda?
–Estoy fascinado por la muerte al igual que lo estuvieron Genet, Baudelaire, Rimbaud... Es muy teatral. Me gusta su ritual y desde pequeño me interesó: las flores, los llantos, los rezos. Yo sólo intento transformar toda esa parte terrible en arte.
–Sin embargo sus espectáculos son a la vez muy luminosos y vitalistas, con un toque naïf. ¿No cree que se podría malinterpretar este estilo como frívolo?
–Sé que a veces mis montajes pueden parecer un poco frívolos pero eso es porque soy un clown, y el clown disfraza la seriedad de frivolidad. Al público le seduce más ésto que lo primero. Pero incluso mi frivolidad es seria. El ser humano necesita también divertirse; créame, ser formal cansa mucho. Hay que jugar porque tenemos tantas cosas de las que preocuparnos que o buscamos un equilibrio entre los dos polos o estamos perdidos. De vez en cuando me gusta ser infantil y sentirme como un Peter Pan que se divierte en el mundo de los niños, un universo lleno de espontaneidad y confianza. Y eso se refleja en mis espectáculos.
–¿La finalidad del arte debe ser el puro entretenimiento o se le debe exigir un compromiso con la realidad que lo rodea?
–No debemos constreñir el arte a un solo significado porque eso lo empobrece y limita su esencia. Para mí es, entre otras cosas, un medio de sublevación del alma, como hicieron Pablo Casals o Isadora Duncan, que tanto me han influido. Duncan nunca perdió la juventud de espíritu y transformaba todo estímulo e inspiración en arte para conectar con los sueños del público y darle alas. Para mí ése es su verdadero sentido: animar los sueños del público y que sueñen conmigo.

EL DON DE LA DANZA
–Jacques Lecoq dijo que el silencio sólo podía ser roto mediante la palabra o la acción. Usted ha elegido lo segundo, ¿por qué?
–Para mí la danza es mucho más importante que las palabras y es la puerta abierta a los sueños y la forma con la que mejor sé comunicar mis pensamientos. Afortunadamente la danza es universal, y creo que esa es la clave que me ha permitido llegar a un público tan variado y tan amplio. Yo soy un poeta cuya lengua es la danza, al igual que García Lorca comunicaba sus anhelos y miedos a través de la palabra. La danza es mi don, carezco de la destreza de las palabras, así que he tenido que labrar mi elocuencia a través del baile. Nunca he sido muy bueno con las palabras, incluso de pequeño cuando me empeñaba en interpretar Shakespeare no podía recordarlas.
–¿No cree que el mimo está desprestigiado en la actualidad?
–El mimo se ha vendido y por eso tiene ese desprestigio. Su grandeza ha sido prácticamente olvidada. Sólo Marcel Marceau sobrevive como el último eslabón de esa gran línea pero le han salido muchos imitadores, lo que ha contribuido al estancamiento del arte. Se ha convertido en algo superficial y dependiente de la técnica, y ese es un gran error. Por eso lo encuentro tan aburrido. Para mí la gran mímica está más cerca de la danza que de ninguna otra cosa.
–¿Cómo nació el personaje de Lindsay Kemp?
– Como Sherezade, de la necesidad de contar historias. Imagínate, para un niño que ha nacido y pasado su juventud en una ciudad como Liverpool, las historias eran la única forma de sobrevivir y de protegerme a mí mismo. Sin el humor tampoco habría podido sobrevivir.
–¿Por qué le gusta tanto interpretar personajes femeninos?
–Lo que me gusta es el acto de la transformación. Me divierte transformar mi aspecto en una mujer, explorar los aspectos femeninos de mi personalidad y ver cómo conquistan al resto porque eso requiere de una gran técnica. Sucede lo mismo cuando doy vida a un villano. Los malos son más divertidos de interpretar. Prefiero encarnar a Ricardo III que alguno de esos ídolos de “matinée”, porque además no tengo la presencia necesaria. Me gusta presumir de mi masculinidad pero también meterme en la piel de personajes como Divine. Elizabeth me fascina porque lo encarna todo: lo masculino y lo femenino.
–En la década de los 70 revolucionó la escena con apuestas como Flowers. ¿Qué lugar cree que ocupa su teatro hoy?
–La vanguardia, en el fondo, es lo clásico. Igual que Picasso y el cubismo.

INSPIRACIÓN ANCESTRAL
–¿De ahí que su inspiración esté en las fuentes clásicas?
–Sí. Lo que me inspira es lo ancestral, lo oriental –como el Kabuki y el Noh–, el teatro griego, los musicales, la comedia del arte, y la filosofía popular de La Barraca lorquiana. Yo comencé mi carrera actuando en la calle, por eso me gusta tanto el teatro popular.
–¿Qué le parece la danza que se hace actualmente? ¿Qué artistas le interesan?
–Los grandes nombres de la escena, Nijinski, Martha Graham, Paul Taylor... ellos son mis héroes. Yo veo muy poco teatro pero lo poco que veo no me inspira casi nada. Todo ese movimiento postmodernista es tan feo... Pina Bausch es de las pocas que han conseguido conmoverme. Ella tiene un espíritu hermano al mío, tiene un sentido del humor muy estimulante. Un nombre que me ha sorprendido es el de Rafael Amargo, su trabajo es sorprendente. En general, me gustan mucho los bailarines de flamenco.
–¿Cuál cree que ha sido su principal aportación al mundo de la danza y el teatro?
–Creo que mi continuación de las tradiciones ancestrales. Me gustaría pensar que he restaurado los ingredientes esenciales del teatro que amo. He aprendido de todos esos grandes bailarines anteriores a nosotros, y esa enseñanza es la que intento transmitir a mis alumnos cuando les digo que lean esos libros, o que escuchen esa música del pasado, que tengan en cuenta el cine... Hay que devolverle al teatro una de sus funciones esenciales, la de entretener, y parte de lo que hoy veo en el teatro –que no es mucho– es muy aburrido. Hay que recuperar la diversión, el glamour, la belleza, la
poesía y el alma. Es necesario conmover desde la escena y lo que veo no tiene la belleza y la magia suficiente. La gente ha dejado de creer en el poder de los sueños.
–Teniendo en cuenta su amor por la lírica y España, ¿para cuándo una zarzuela?
–¡Eso es algo que me encantaría hacer! Me entusiasma su espíritu y belleza, y creo que estoy preparado para hacerlo. (Se despide tarareando La verbena de la paloma).

Itzíar De Francisco. El Mundo. 1º de abril de 2005

Concursos y festivales

Concurso de Títeres

El Ayuntamiento de Segovia, en colaboración con el Festival Internacional de Títeres TITIRIMUNDI, y con motivo del IV Centenario de la publicación de la obra cumbre de nuestras letras “El INGENIOSO HIDALGO DON QUIJOTE DE LA MANCHA”, convoca un Concurso de Teatro de Títeres. Podrán concurrir todos los titiriteros o compañías de títeres que lo deseen, sea cual fuere su nacionalidad. Sus creaciones estarán inspiradas, con una visión libre, en la obra de Miguel de Cervantes “EL INGENIOSO HIDALGO DON QUIJOTE DE LA MANCHA”. Duración libre. Inscripciones; hasta el día 15 de abril de 2005, indicando nombre del titiritero o compañía y título de la obra, en la Concejalía de Cultura y Turismo, C/ Judería Vieja nº 12, llamando al teléfono 921 46 67 06 o a través del correo electrónico culturasg@terra.es. El plazo de inscripción se abre con la difusión de esta convocatoria y quedará cerrado el día 15 de abril de 2005.

Festus. Festival d'Art al Carrer de Torelló

Per participar s'han de presentar les propostes abans del dia 13 de maig de 2005. Més informació: Pl. Jacint Verdaguer, 1 baixos, 08570 Torelló. Telèfon: 938 593 612. festus@torello.diba.es

FOC 5ª EDICIÓN (Feria de Ocio y Cultura)

FOC es el espacio donde cualquier persona podrá expresar libremente todas sus inquietudes en cualquiera de sus secciones: CINEMA, MÚSICA, ARTES PLÁSTICAS Y ARTES ESCÉNICAS. El festival se celebrará en "PLATGES DE MONCOFA"(Castellón), en un recinto ferial dotado de toda la infraestructura necesaria para mostrar los distintos trabajos y manifestar la creatividad en toda su magnitud. FOC FERIA se celebrará la semana del 15 al 21 de Agosto y tendrá como una premisa el carácter amateur de las obras. El plazo de inscripción para participar finaliza 17 de Junio. Bases e información complementaria en la web del evento: http://www.focferia.com

Currículum del mes

Margarida Mateos RoigMargarida Mateos Roig. 19 años

Ha realizado cursos en diferentes escuelas: interpretación en D’Ateatre y La Casona, danza, teatro gestual y danza libre en el Taller de artes Escénicas, interpretación. Además es miembro de la compañía de teatro Volantins de Xarxa Teatre y ha pertenecido al grupo de teatro amateur Amunt de Almenara. Complementa su formación artística con 8 años de danza clásica, 5 de solfeo, 3 de trombón de pistones y 2 de dolçaina.

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Cursos de verano 2005

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